La originalidad es un tema de contextos.

En la Isla (banco San Andrés): El grupo se dispuso a dibujar...

En la isla (banco San Andrés): Aquí estoy realizando la charla introductoria al trabajo que allí realizamos

Resumen caótico del Seminario “Fisionómica del a Isla”:

-todo se mueve, todo cambia: las hojas, las ramas, el césped, las nubes, el agua, la luz.

-miramos un tronco, nos concentramos en él. Cuando nos hundimos en el detalle nos percatamos que allí había muchas mas ramas de las que en un principio creíamos.

-cada forma revela un carácter. La naturaleza presenta morfologías alegres, severas, sufrientes, vivaces, enamoradas, jóvenes, moribundas, sublimes… Cada carácter se despierta en cada uno de nosotros al observar.

-al principio todo es verde, monocorde, de una textura constante e indescifrable. Pronto (con la observación detenida) cada hoja, e incluso cada brote manifiesta su carácter personal.

-al principio, cuando llegamos a la isla, empezamos a mirar, analizar, tomar apuntes, abocetar. En ese momento aún somos lo que éramos: imponemos nuestro ritmo, nuestros vicios, nuestras deformidades, nuestros trucos, y todo eso se ve reflejado en los dibujos.

-mas tarde nos abandonamos. Pasamos a formar parte de ese entorno. Respiramos al ritmo que el oleaje marca contra la costa. Nuestro dibujo ya no es nuestro, ya no usamos los mismos criterios que inicialmente arrastrábamos: la isla sugiere de modo envolvente el modo en que debe ser entendida y representada. Ya no somos nosotros, es la isla.

-el ojo cambia de forma, y se convierte en una llave que abre y cierra cada forma.

-comenzamos a entender tiempos y comportamientos de una naturaleza sobre la que construimos otra medición temporal y disciplina.

-contra mas observamos sobre el mismo lugar, mas vemos. Formas dentro de las formas se van revelando de singular manera (casi como pequeñas apariciones fantasmales que nuestra visión va revelando a medida que se amolda a los patrones que observa.

-es imposible no concentrarse.

-es imposible no relajarse.

Seminario próximo

Estoy por dictar un seminario en la isla (Banco San Andrés) frente a la ciudad de Rosario. Aquí hay una información básica del mismo. Info completa en: http://www.facebook.com/home.php?#/event.php?eid=161294698579&ref=mf



Seminario Fisionómica de la Isla A Cargo de Javier Carricajo

-Características generales del seminario:
Duración: 2 jornadas (4hs cada encuentro) Sábado 7 y domingo 8 de noviembre de 2009
Cupo: 10 personas

En el entorno natural que ofrece la isla, frente a Rosario, profundizaremos sobre cuestiones relativas a la representación. Los trabajos que se realizarán estarán orientados a la copia del natural, manteniendo una marcada intención de verosimilitud y análisis. Se estimularán diferentes tipos de apreciación del entorno, explorando tanto la posibilidad de representación detallada como las apreciaciones mas gestuales, respetando siempre el anclaje formal que los códigos propios de la mímesis establecen en relación al referente. Las jornadas serán eminentemente prácticas. Luego de una introducción a la propuesta, se desarrollará una experiencia de taller al aire libre y una reelaboración posterior del material allí obtenido. Básicamente la primer parte del seminario estará enfocada en la toma de apuntes, bocetos y estudios del natural, y la segunda parte versará en el aprovechamiento efectivo del material antes realizado, obteniendo una o varias imágenes de un acabado mas terminado en las que se cristalizarán las apreciaciones del trabajo de campo.

-Los trabajos realizados serán expuestos en los túneles del Parque España en el contexto de la Novela del Dibujo por el tiempo en que dure el evento completo.

-Plan de Trabajo

-Día primero (en la isla):
Materiales (que deberán traer los participantes): lápiz de grafito / papel para abocetar -Introducción a la dinámica de trabajo. -Copia del entorno. Fragmentos y generalidades del paisaje. Gestualidad y síntesis como herramientas para el análisis. Tipos de miradas analíticas -Reunión de cierre de jornada. Observación de los trabajos. Charla sobre los resultados.

-Día segundo (en el túnel del parque):
Materiales (suministrados por el Parque España): pinceles / papeles de alto gramaje / tinta china. -Introducción a la dinámica de trabajo -Propuesta personal de trabajo. Reelaboración del material trabajado en la isla. -Reunión de cierre de jornada y del seminario. Montaje de los trabajos. Charla sobre los resultados.

-Participantes (orientado a artistas): -Toda persona de 18 años en adelante interesada en profundizar sobre la representación valiéndose del natural como referente. - Se requiere cierto entrenamiento visual y conocimientos básicos sobre la representación.

Actualización

Obra "Tentación" en m estudio.

web actualizada:

www.javiercarricajo.com.ar

Regalo

Detalle de un boceto para una pintura - Javier Carricajo - 2009

Todo boceto contiene la magia de la posibilidad. Cuando una imagen se concibe de un modo larvario, y su sistema constructivo permite posibles ampliaciones, modificaciones y profundizaciones, a la propuesta (que de por si incluye toda obra) se le suma la incertidumbre de “concreción final”. Si bien un boceto es por derecho propio una obra (en tanto fue obrado), parte de su sentido y del valor que se le puede otorgar radica en lo que está en potencia.

Un boceto se parece a un tal vez o a un quizás.

El sentido del boceto está mas en el observador (en su modo de ver, deducir y entender lo insinuado) que en dibujo en si . Lo terminado o inconcluso no se puede advertir si no es indicado por el autor o si no tenemos pruebas firmes de esta intención.

Se dice que la concepción original del bozzetto dejaba a estos trabajos por fuera del carácter de obra, y en el mismo sentido, quedaban relegados al momento de ser leídos como parte de la producción “seria” de un pintor. Supuestamente estos dibujos eran material de uso interno del taller, no destinados para ser mostrados al público. Si bien este era de hecho el lugar que esta modalidad ocupaba (por motivos de mercado y por concepciones estéticas del momento), siempre me resultó difícil pensar que la mayoría de los pintores y escultores de la Florencia renacentista los hayan considerado como manifestaciones menores. Sí menores en dimensiones espaciales y en complejidad de planteo técnico, pero jamás desde un punto de vista analítico, poético o de interés formal. Claro está, se trataba de nada mas y nada menos que de la idea en crudo.

Un boceto conserva la crudeza de la ocurrencia espontánea y de la observación fugaz, valiéndose de soluciones inmediatas y sagaces para componer una hipotética obra. Por suerte, desde la contemporaneidad podemos poner en valor estas sutilezas, que sin desarrollarse en profundidad, toman las pautas principales de la idea visual.

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Una vez regalé un boceto. Creo que incluso era demasiado básico para ser llamado boceto, se trataba de un dibujo muy simple cuya función era recordarme pautas para una obra. Ese regalo lo sentí como una pequeña pérdida (algo que no me había ocurrido en ocasiones de ventas de obras mucho mas elaboradas o en regalos de dibujos en los que invertí cantidad de tiempo). Esa sensación irracional me sirvió para luego reflexionar sobre lo que estaba supuestamente estaba perdiendo (de modo inmaterial).

De tanto en tanto trato de recordarlo, y lo reconstituyo mentalmente con mayor vaguedad aún. Tal vez lo regalé para no olvidarlo. Al no tenerlo cerca, lo mudé del papel a mi cabeza, así, en esa reconstrucción, resalto sus características inacabadas, haciéndolo “más boceto”.

Mayonesa

ma-yo-ne-sa
ella me bate como haciendo mayonesa

Sobre los tiempos de la pintura

Trabajando en mi estudio

La temporalidad mas evidente de la pintura se percibe en el resultado estático entre diferentes instancias de intervenciones (capas y retoques). Finalmente vemos un tiempo único, un ahora constante. Para los observadores mas detenidos no es difícil desandar estos pasos y lograr descomponer las fases del proceso en hipotéticas secuencias, descubriendo allí otra instancia temporal (la que transita junto con el pintor, la realización).

En el caso de obras figurativas que conservan un grado de fidelidad con el referente, ese ahora constante de la pintura (además de convivir con los tiempos en los que fue realizada) convive con el tiempo que se evoca en la representación (con el momento de la pose, de la acción, con el instante perdido o inventado).

Estos tiempos pictóricos trascienden toda tradición y toda cita. Su transito y puesta en juego en nuevas producciones ponen en evidencia su carácter contemporáneo, están siempre empapados de la sensibilidad mas última. Los esquemas a los que responden no son ni nuevos ni viejos, simplemente -en tanto posible lectura- siempre estuvieron, solo que esperaban ser dichos.

Voy a prepararme un te verde y ya cargo esta entrada en el blog.

Hacer de mi un pintor

Fotografía de la obra "Autorretrato con caniche" en mi estudio.

Un día asumí súbitamente la tarea de hacer de mi un pintor. Así fue como de modo mas o menos conciente seguí un programa de acciones tendientes a ir construyendo esta realidad. Hoy puedo enunciar con cierta precisión parte de estas premisas internas.

Hacer de mi un pintor:

-Mirando pinturas compulsivamente.

-Eligiendo a mis referentes, copiándolos, versionándolos, interpretándolos, haciéndolos interlocutores de mi producción.

-Llevando mi realidad a la clave pictórica y entendiendo a lo pictórico como una posible realidad paralela. Obteniendo de esta mutua interacción una mutación constante de ambas realidades.

-Sintiéndome observado por el ojo de Velásquez, Ingres, Rembrandt, Rubens, Goya, Caravaggio (entre otros) al momento de estar trabajando.

-Llevando conmigo a todos lados la tarea de resolver escenas, espacios, texturas, colores, figuras, gestos.

-Encontrando imágenes para hacerlas mas duraderas. Siendo conciente que esta perdurabilidad se da en tiempos humanos (no perpetuos).

-Observando a la gente, su contextura, movimientos y gestos, dejándome atrapar por cada detalle.

-Observando las luces y las sombras, interpretándolas.

-Observando la manera en que ven los ojos.

-Entendiendo y utilizando a las materias pictóricas como materiales con múltiples cualidades y características. Ej.: el óleo rojo no es el color rojo, es la suma de pigmento + aceite + cera + trementina + resina, etc., cuya combinación da como resultado un material de color rojo, de característica untosa y con capacidad secante.

-Asumiendo mi animalidad, y asumiendo al rol del pintor como uno de los roles propios del animal humano.

-Asumiendo que las razones últimas de mis elecciones están ocultas tras la complejidad de nuestra existencia.

-Reconociendo lo provisorio y transitorio de estas premisas de trabajo (que son útiles mientras resultan funcionales). Abandonando certerzas.

Comienza

Serie de pinturas "Entre Nosostros". Museo de Arte Contemporáneo de Rosario MACRO

Doy por abierto este blog.